Städtische Sammlung

In den Aufbaujahren ab 1920 legten erste Erwerbungen von Ernst Barlach, August Macke, Emil Nolde, Käthe Kollwitz und Christian Rohlfs den Grundstein für eine Sammlung moderner Kunst. Besonders gefördert wurden die in Leben und Werk mit Mülheim verbundenen Künstler Werner Gilles, Werner Graeff, Arthur Kaufmann, Otto Pankok und Heinrich Siepmann, von denen umfangreiche Werkgruppen vorhanden sind.

Nach großen Verlusten im Zweiten Weltkrieg konnte die Sammlung der Klassischen Moderne mit Meisterwerken von Max Beckmann, Heinrich Campendonk, Max Ernst, Ernst Ludwig Kirchner, Alexej von Jawlensky und Paul Klee neu aufgebaut werden. In diesem Zusammenhang sind auch drei ehemals als „entartet“ beschlagnahmte und außer Landes verkaufte Gemälde von Karl Hofer und Emil Nolde zurück erworben worden.

Zuletzt wurde dieser Bereich durch ein Gemälde von Hannah Höch ergänzt. Dieser Ankauf wurde durch den Förderkreis ermöglicht, der seit 1979 das Kunstmuseum in seiner Sammeltätigkeit unterstützt. Anknüpfend an realisierte Ausstellungen konnten Ankäufe von international bekannten Künstlerinnen und Künstlern wie Siegfried Anzinger, Dorothee Golz, Robert Lucander oder Thomas Zipp getätigt werden. Seit 2019 verfügt das Kunstmuseum über einen Werkkomplex von einhundert Plakaten und Kleinschriften von Joseph Beuys aus der Sammlung des Medizin- und Kunsthistorikers Axel Hinrich Murken. Neben Schenkungen und Übernahmen aus Künstler*innennachlässen wächst die Sammlung weiterhin – auch an aktueller Gegenwartskunst.

<p><span>Franz Marcs farbenprächtige Tierdarstellungen und begleitende kunsttheoretische Schriften führten zu einer Neuerung der bis dato wenig beachteten Gattung in der Malerei der Moderne. Für den Mitbegründer der Redaktionsgemeinschaft Der Blaue Reiter verkörperte das Tier in seiner Schönheit und Reinheit die Idee einer vollkommenen Schöpfung. Nach naturalistischen Anfängen und Anatomiestudien wurden Abstraktion, Form- und Farbkorrespondenzen sowie bewusst gesetzte Kontraste die Mittel der Wahl.</span></p><p><span>Im Gemälde bilden die „Kühe unter Bäumen“ eine harmonische Einheit: Die organischen Formen der ins Zentrum gesetzten Tierkörper wiederholen sich in den geschwungenen Umrissen der flankierenden Bäume, deren Kronen fließend ineinandergreifen und die Kühe schützend überdachen. In den gesteigerten Lokalfarben zeigt sich das komplette Schema von Marcs Farbsymbolik.</span></p>

<p><span>Unterbrochen von der legendären „Tunisreise“ mit seinen Künstlerfreunden Paul Klee und Louis Moilliet, hielt sich August Macke in seinem letzten Lebensjahr in Hilterfingen am Thuner See auf. Im Herbst 1913 gastierte dort die Schweizer Artistenfamilie Knie. Ihre Auftritte auf dem Rathausplatz inspirierten den Maler und er fertigte Skizzen vor Ort, die er später in seinem Atelier in Aquarell und Öl ausarbeitete.</span></p><p><span>In der Komposition sind das Dach und die gelbe Stütze des Zirkuszeltes im Vordergrund sowie die Kirche und Häuserfront in der Bildmitte durch Drei- und Vierecke in architektonischer Strenge wiedergegeben. Kontrastreiche Farbflächen spiegeln Mackes intensive Auseinandersetzung mit dem Kubismus und Orphismus wider. Die im Bild gestaffelten Figuren – als gesichtslose Schemen dargestellt – vermitteln den Eindruck von räumlicher Tiefe.</span></p>

<p>Vor dunklem Hintergrund erscheint die <span>„Infantin“</span> in stolzer, repräsentativer Haltung im Viertelprofil. Vereinfacht und in leuchtenden Farben dargestellt, ergibt sich durch die Linearität gleichmäßig schwingender Bögen und Konturen – vom Haarreif über Augen und Kinnlinie bis in die Kleidung – eine kompositorische Ordnung, die sich vom Naturvorbild vollkommen gelöst hat.</p><p><span>Der hellblaue Lichtkranz verleiht ihr eine geheimnisvolle Aura. Ihre kindhaften Gesichtszüge, die kunstvoll drapierte Haartracht und der Titel deuten darauf hin, dass Jawlensky zu diesem Frauenbildnis von Werken des spanischen Hof- und Barockmalers Diego Velazquez inspiriert wurde. Auch Einflüsse der japanischen Holzschnittkunst des Okubi-e mit formatfüllenden und stark konturierten „Großkopf“-Bildern von Schauspielern und Geishas sind denkbar. Sicher ist, dass ihm seine Geliebte Helene Nesnakomoff Modell stand.</span></p>

<p><span>Die mit Nachlassstempel versehene Seite des Gemäldes zeigt eine intime Interieurszene: „Zwei Frauenakte“ präsentieren sich vor einem Paravent in Kirchners Berliner Atelier. Die maskenhaften Gesichter erinnern an afrikanische und ozeanische Plastik. Beeinflusst durch die Kunst Paul Gauguins und inspiriert von der Sehnsucht nach dem Exotisch-Fremden setzte sich der „Brücke“-Künstler mit außereuropäischer Kultur auseinander.</span></p><p><span>Expressiv-farbig thematisiert er auf der anderen Bildseite die Nacktheit im Freien als sinnliche Erfahrung: Zwischen hohen Tannen und zerklüfteten Felsen erfrischen sich die „Badenden“ – seine Lebensgefährtin Erna Schilling, deren Schwester Gerda und die Ausdruckstänzerin Nina Hardt – ungezwungen und hüllenlos im kühlen Quellwasser. Nach einem Zusammenbruch infolge des Ersten Weltkriegs suchte Kirchner in der Abgeschiedenheit der Schweizer Bergwelt um Davos nach Erholung und neuen Impulsen.</span></p>

<p><span>In Symbolik und surrealer Anmutung wirkt das Schlüsselwerk von Hannah Höch wie ein Traum: Inmitten von leuchtenden Gestirnen führen schlauchförmige Reusen als begehbare Passage in die unendlichen Weiten des Alls. Aus dem Zusammenhang gelöst, verfremdet und ins Überdimensionale gesteigert, erhalten die für Fische, Vögel und Insekten konstruierten Fangnetze eine neue Bestimmung: Die Falle wird zum Sicherheitsnetz, das die sich im Inneren bewegenden Menschen vor dem Sturz in die Tiefe bewahrt und ihren ansteigenden Weg empor lenkt.</span></p><p><span>Vor dem zeitgeschichtlichen Hintergrund klingt Höchs reale Angst an, in die Fänge der Nationalsozialisten zu geraten. Die Diktatur und Kriegsjahre überlebte die Künstlerin in einem abgelegenen Haus in Berlin-Heiligensee. Selbst als „entartet“ verfemt, versteckte sie dort die ihr anvertrauten Werke verfolgter Freunde.</span></p>

<p><span>Willi Baumisters Gemälde „Bunte Figur“ zählt zu seiner Werkgruppe der „Metaphysischen Landschaften“. Über kargem, verlassenem Terrain schweben farbige, amorphe Formen, die sich beim näheren Hinsehen in Körperteile verwandeln und sich zu archaisch anmutenden Gestalten zusammenfügen.</span></p><p><span>Das heiter bewegte Spiel dieser Formen eröffnet eine veränderte Perspektive und Freiheit in der Wahrnehmung. In den Diskussionen über die Neuausrichtung der Kunst nach 1945 nahm der Maler, Bühnenbildner und Kunstprofessor mit seiner Form der Abstraktion eine einflussreiche Rolle ein. In seiner 1947 veröffentlichten Schrift „Das Unbekannte in der Kunst“ schrieb er, dass der Künstler dank seiner Imagination und Schöpfungskraft dazu berufen sei, in unbekannte Bereiche vorzudringen und Neues zu entdecken.</span></p>

<p><span>Ikonen der Kunstgeschichte sind die Hauptdarstellerinnen in den Werken von Dorothee Golz. Aus Porträtausschnitten und Neuinszenierungen mit leibhaftigen Modellen in ähnlichen Posen erzeugt sie seit 2004 Fotomontagen der besonderen Art: Anmutige Frauenbildnisse der Renaissance und des Barocks werden in der Serie ihrer „Digitalen Gemälde“ per Bildbearbeitung am Computer mit dem virtuellen Pinsel in einen zeitgenössischen Kontext überführt.</span></p><p><span>Das Spiel mit Motiven der Alten Meister stellt nicht nur weibliche Rollenklischees und Schönheitsideale im gesellschaftlichen Wandel infrage: Die von Golz intendierte Irritation beim Anblick der Gesichter mit ihrem melancholisch-entrückten Ausdruck und dem wie aus der Zeit gefallenen Erscheinungsbild führt zu einem Moment des Innehaltens. Kompositorisch aufgebaut wie ein Gemälde, das vorgibt Fotografie zu sein, eröffnen ihre Bilder eine neue Realitätsebene.</span></p>

Städtische Sammlung

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